Durante la séptima edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE DANZA PARA LA PANTALLA MOVIMIENTO EN MOVIMIENTO, en 2018, se otorgaron dos premios:
- Premio Nacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento
- Premio Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento
Los primeros lugares fueron acreedores a un estímulo económico de 1000 dólares para la continuación de su carrera artística.
GANADORES
- Premio Nacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento:
Primer lugar: Doublevision (Benito González. México.)
Segundo lugar: Sin Titulo, Sub Título (Antonio Arango. México.)
Tercer lugar: Golem (Diego Chacón, Alexander Dluzalt, Ernesto Zavala y Carmen Ixchel Maya. México.)
Mención honorífica: El libro de la leche (Alfredo Salomón y Alejandra Alarcón. México.)
Mención honorífica: Exige otro t i e m p o (Dalia Ju. México.)
Jurados: Anna Macdonald, Andrea Keiz y un voto de Movimiento en Movimiento.
- Premio Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento:
Primer lugar: This Dance Has No End (Fenia Kotsopoulou. Grecia.)
Segundo lugar: Leer (Thomas Bos. Los Países Bajos.)
Tercer lugar: Emotional Houdini (Allison Beda & Tara Cheyenne Friedenberg. Canadá.)
Mención honorífica: No more Beautiful Dances (Anabella Lenzu. Argentina.)
Mención honorífica: A la Manera de David (Pedro Costa Prohens. Chile.)
Mención honorífica: Medium Rare (Luca Cioci. Italia.)
Jurados: Anna Macdonald, Alessandra Pisu, y un voto de Movimiento en Movimiento.
Para esta edición se recibieron 200 obras de 37 países durante la convocatoria, de las cuales 35 fueron seleccionadas: 25 internacionales (Canadá, Islandia, Estados Unidos, Reino Unido, Argentina, Irlanda, Italia, Chile, Brasil, Grecia, Francia, Hungría, Israel, Rusia, Los Países Bajos, Alemania) y 10 mexicanas.
Las tres curadoras de Movimiento en Movimiento, Lucitzel Pedrozo, Nayeli Benhumea y Yolanda M. Guadarrama, unieron sus votos en uno solo para dar peso a los votos de los jurados internacionales en los premios.
AQUÍ ABAJO SE ENCUENTRA LA DESCRIPCIÓN DE OBRAS GANADORAS Y NOTAS DE LOS JURADOS, TAMBIÉN UNA SINOPSIS DE LOS JURADOS.
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DESCRIPCIÓN DE OBRAS GANADORAS Y NOTAS DE LOS JURADOS:
- Premio Nacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento:
Primer lugar: Doublevision (Benito González. México.)
Sinopsis: Doublevision es una experiencia cinemática atmosférica. Una mezcla entre un arrullo ahogado y un mantra industrial.
Autor: Benito González nació y creció en Hermosillo en los años 70 y 80. Motivado por el arte pop y la cultura de masas, funda junto con Evoé Sotelo el proyecto escénico Quiatora Monorriel en 1992, donde ha tenido una presencia constante por más de veinticinco años, durante los cuales ha podido exponer su propuesta en México y el extranjero. Cuenta con un repertorio coreográfico amplio y ha colaborado con diversas agrupaciones escénicas. Su indagación creativa lo ha llevado a experimentar también en la composición sonora, la fotografía, el video y el diseño gráfico. Sus más recientes trabajos en video se han presentado en diversos festivales a nivel nacional e internacional. Es Licenciado en Coreografía por la ENDCC e ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA en el año 2010.
Nota del jurado: Elegimos esta obra porque es una pieza de movimiento simple y de alta sensibilidad que realmente se compromete con el medio audiovisual y el movimiento. Mediante el cuerpo en movimiento, se transmite una sensación del transcurrir del tiempo. “Doublevision” muestra el resultado de una insistente experimentación con la imagen en movimiento, renunciando al sentido narrativo de primera instancia y buscando significados que se generan con la reelaboración de las imágenes grabadas; se trata de manifiestos visuales que se encuentran por medio de la exploración de nuevos conceptos coreográficos generados con elementos de edición y con la renuncia a los lenguajes más comunes en el género danza para la pantalla.
Segundo lugar: Sin Titulo, Sub Título (Antonio Arango. México.)
Sinopsis: Esta obra originalmente se realizó como una videoinstalación con 2 pantallas. Mirándose uno a otra, sosteniendo una conversación. Reflexionando como si fueran autoconscientes. Los diálogos están tomados de varias películas de ficción. El debate de ambas pantallas trata sobre los conceptos de realidad, ficción y la relación de ambas como fronteras de los medios.
Autor: Antonio Arango tuvo una formación universitaria, a nivel Licenciatura, como Diseñador de Comunicación Gráfica, Antonio ha extendido sus estudios con diversos cursos de teoría del arte, fotografía, cine, teatro, comic y medios electrónicos.
Ha obtenido diversos reconocimientos como el 3er. lugar en la Tercera Bienal de Video en la categoría de Experimental y videoarte (C++ 1994). Fue merecedor del 2do. lugar en el Segundo Mes del Performance (C++ 1993) y obtuvo mención Honorífica en el 3er Mes del Performance en Ex-Teresa Arte Alternativo (Panopticón 1994). Ganador de la fachada mediática interactiva para el Instituto Goethe México (Reflex 2005). Obtuvo mención honorífica en el Festival of Electronic Art Transitio 2017 con la instalación Sin Título, Sub Título. Sus videos e instalaciones interactivas han sido exhibidas en México (museos y galerías) y en varios festivales y exhibiciones en Estados Unidos, España, Museos y galerías) como en diversos festivales y muestras en Estados Unidos, España, Canadá, Alemania, Brasil, Francia, Japón y Chile.
Nota del jurado: Al traer estas imágenes de cuerpos reales e irreales al movimiento audiovisual, se está haciendo un cuestionamiento a la danza para la pantalla: ¿qué cuerpos están permitidos dentro de este género artístico, y qué movimientos deben grabarse? Todo el discurso sobre la realidad y lo ficticio, si bien es demasiado didáctico, hace pensar al espectador en la necesidad o la inutilidad de una verdad dentro de las obras de arte audiovisuales de danza y cine. Es una obra que trae frescura, reflexión y novedad a la danza para la pantalla. Además, es interesante la forma en que el material de archivo encontrado se edita en una narrativa. Utilizando los extractos sonoros de algunas películas en combinación con estas fotos surrealistas, el resultado es una atmósfera extraña. Considerando las imágenes enfrentadas de esta obra como un diálogo, la realidad de los actores que miran a los maniquies implica una duplicación surrealista del espectador que a su vez mira la obra.
Tercer lugar: Golem (Diego Chacón, Alexander Dluzalt, Ernesto Zavala y Carmen Ixchel Maya. México.)
Sinopsis: Una cadena infinita de creaciones. El creador se pregunta el significado de la existencia a través de su creación. No hay tal. Eventualmente, cualquiera que haya sido manufacturado puede a su vez convertirse en un productor de nuevos imaginarios que él mismo cuestiona. El ciclo se repite.
Autora: Carmen Ixchel Maya (Ciudad de México, 1994) desarrolla su trabajo en el campo del performance y de la imagen en movimiento. Ha participado en diversas presentaciones de performance, entre las que destacan: Colectivo Come Mierda en Gama en la Facultad de Artes y Diseño (fad unam), en cmmas Morelia (2016), Universidad Autónoma de Chapingo (2016), en el Instituto de Investigaciones en Materiales en la Facultad de Ciencias (UNAM), en el Museo Universitario del Chopo y el Teatro de Danza. Su trabajo de video ha formado parte de festivales como Ultracinema, Movimiento en Movimiento en el Centro de Cultural Digital, Video Movimiento (Colombia), Dança em foco (Brasil), festival ibrida (Italia) y el Festival Agite y Sirva.
Créditos: Comunidad Sí: Ernesto Zavala, Alexander Dluzalt, Diego Chacón.
Colaboraciones: Prendas de H. por Hector de la Peña. Golem/Modelo – Alex Mediola (Paragon Models), Mujer (M) – Carmen Maya (COLECTIVO CM), Hombre (H) – Maximiliano Flores (ACADEMIA DE LA DANZA MEXICANA). Director de fotografía: Georgina Escalante. Edición: Carmen Ixchel Maya. Fotografía fija: Lizet Trinindad. Asistentes, Josué Mejía y Aquetzalli Chávez.
Nota del jurado: La edición aquí es utilizada como herramienta coreográfica. El fuerte ritmo en la edición es soportado y acompañado por el sonido electrónico. El tema clásico del Golem, de la fabricación de seres con materiales no orgánicos, así como la configuración clásica en un tríptico, se ven interrumpidos por el “rascado” del video y el ritmo que se produce en consecuencia, es un tema clásico tratado mediante un “filtro” de edición no clásico, lo que implica un contraste en el tratamiento experimental de la creación de esta pieza.
Mención honorífica: El libro de la leche (Alfredo Salomón y Alejandra Alarcón. México.)
Sinopsis: Cuando probó la granada sus huesos se convirtieron en sangre. Se trata de un video realizado con la obra de Alejandra Alarcón, música de Atto Athié, animaciones de A. Salomón y la ayuda de Sofi Otegui. México, julio 2018.
Autores: A. Salomón (México) es un artista transgénico con profunda orientación tecnológica, graduado en Cine, Televisión y Video por la Universidad de las Américas-Puebla. Su trabajo se sitúa en la periferia de la creación audiovisual, el lenguaje coreográfico y la industria del arte. Miembro del Sistema Nacional de Creadores, actualmente explora las posibilidades expresivas del cuerpo frente a la cámara. Ha representado a México en los principales festivales de videodanza de América y Europa, su trabajo se ha expuesto en museos de México, Colombia, Argentina, Chile, Canadá, Holanda, Francia, Austria y Taiwan.
Alejandra Alarcón nació en la ciudad de Cochabamba, Bolivia 1976. Actualmente vive y trabaja entre México y Bolivia. Hizo la licenciatura en sociología en la Universidad Mayor de San Simón en Cochabamba Bolivia, también la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” México D.F. Ha expuesto de manera colectiva e individual en Museos, Galerías y Ferias de arte de diversos países como Estados Unidos, China, Italia, Perú, Brasil, España, Canadá, Chile, Argentina, Portugal, Inglaterra, Colombia, Bolivia y México. Actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores 2016 – 2019 en Pintura.
Nota del jurado: Pieza corta muy sensual y reflexiva. Las partes del cuerpo que aparecen nos dan idea de un lazo sentimental y afectivo entre madre e hijo. Transmite una sobrecarga sensorial y una cercanía a la maternidad temprana. Las imágenes nos hablan de la fundación de la vida sin necesidad de poner esta fundación en palabras, es un ejercicio conceptual que tiene una bella fotografía y un mensaje y resultado circular y complejo.
Mención honorífica: Exige otro t i e m p o (Dalia Ju. México.)
Sinopsis: ¿En qué radica la escucha interna? «Exige otro t i e m p o» es el resultado de dos años y medio de investigación de movimiento sobre la escucha interior, en donde al cuerpo se le ha brindado paso a su hablar y habitar. En esa escucha se han hallado motivos de movimientos recurrentes como la agitación del cuerpo, su ondulación y sus pausas. Es en ese navegar interno donde se halla, se palpa, se percibe esa exigencia de habitar por instantes, en otro tiempo.
Autora: Dalia Ramírez Pérez (Dalia Ju) nació el 6 de febrero de 1994, en la Ciudad de México. Su primer encuentro con la poética del movimiento fue a la edad de 8 años en la comunidad de Orizabita, Hidalgo al tomar el taller de Teatro Físico para niñas y niños con el Dramaturgo Ramiro Ramírez, también formó parte del grupo folklórico de Huapango «Otomangue» (2003-2005). Cursó su introducción e iniciación en Danza Contemporánea en la Escuela de Iniciación Artística (EIA) No. 2 “Héctor Correa Zapata” 2006- 2009. Posteriormente concluyó sus estudios de Intérprete y Ejecutante de la Danza Contemporánea en el “Centro de formación profesional para bailarines en Danza Contemporánea” Contempodanza, espacio en movimiento, donde trabajó con diversos coreógrafos y directores (2012- 2015).
Nota del jurado: En esta obra la danza parece ser la fuente de creación tratada en una tradición de filmes experimentales, el tiempo es relativo, abstracto y personal, el cuerpo se encuentra disuelto en una superficie en movimiento y se muestra por fragmentos haciendo un autorretrato misterioso que genera cuestionamientos. Encontramos una búsqueda sensorial del movimiento a través de la pérdida del espacio.
Jurados: Anna Macdonald, Andrea Keiz y un voto de Movimiento en Movimiento.
- Premio Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento:
Primer lugar: This Dance Has No End (Fenia Kotsopoulou. Grecia.)
Sinopsis: <“Lo que sucede cuando alguien muere es que nosotros, los vivos, llevamos su recuerdo dentro de nosotros… Seguirán viviendo en nosotros y los celebraremos. Y bailaremos como si no hubiera un mañana». Diane Torr, un bailarín dedicado al arte, drag king y activista de género, falleció en mayo de 2017. Un año después, me metí a bailar dentro de una habitación negra, hicimos una sola toma fusionando lo masculino y lo femenino a manera de oda a la vida y la muerte. La danza griega urbana tradicional zeybekiko que es representada exclusivamente por hombres es la danza que elegí para mi manifestación híbrida –como un desdoblaje de aspectos de mi identidad. En silencio escuché las palabras de Diane «Apodérate del espacio con todo tu ser. Posee el espacio». Levanté mis brazos y bailé como si no hubiera un mañana mientras la cámara seguía el movimiento. No hubo ediciones ni tomas posteriores: el objetivo no era complacer o seducir, sino ofrecerme como un espacio dedicado al desahogo colectivo.> Fenia K.
Autora: Fenia Kotsopoulou (Grecia) es una artista interdisciplinaria, radicada en el Reino Unido, que navega de manera creativa a través de los campos de performance (arte), danza, video y fotografía, en busca de una forma fluida, híbrida y sintética de hacer arte. Tiene un MFA en Coreografía de Arte en Vivo, y un BA Hons en Danza. Los temas principales de sus procesos basados en prácticas artísticas incluyen: el Cuerpo como lugar de reunión de emociones y lugar de transformación, memoria personal y colectiva, (de)construcción de la identidad fe-male (femenina-masculina), vergüenza y actos de eliminación. En los últimos años, como artista (bailarina), productora y artista visual, sus trabajos y el trabajo de colaboradores cercanos han sido mostrados y premiados en una amplia gama de festivales y plataformas de arte, que abarcan los campos de la danza, el performance experimental, live-art y video-art. feniakotsopoulou.wix.com/artist
Nota del jurado: Lo más sobresaliente de esta obra es su fuerza, hay un sentimiento profundo que se transmite del cuerpo en movimiento al espectador de la obra audiovisual, algo que logra transmitirse. Se crea una atmósfera perceptiva, y una gran intensidad con elementos audiovisuales sencillos pero muy bien dirigidos, es interesante el modo en que la cámara sigue al cuerpo en su danza ceremonial. Es un ejercicio en el que los vivos recuerdan a los muertos, bailando con ellos y por ellos, transformándose en el recuerdo, confundiéndose con él, incluso a pesar de tratarse de un ser femenino que se transforma en un ser masculino. Es una pieza hermosa y conmovedora.
Segundo lugar: Leer (Thomas Bos. Los Países Bajos.)
Sinopsis: En la danza para la pantalla Leer (Leather) observamos a Hank. Hank tiene problemas. Hank no encaja. Montar su motocicleta le permite aclarar su mente. Por arriba de una velocidad de 130 todo se vuelve blanco y negro. Durante sus paseos nocturnos, sus pensamientos y su realidad se entrelazan profundamente. Hank ya no está seguro de si su experiencia es real o no, pero está seguro de una cosa: si giras el acelerador lo suficiente, nadie te oirá llorar en tu casco.
“Me interesa el movimiento, el humor y la autenticidad. El movimiento es agradable porque el cuerpo no miente. Agnes de Mille dijo una vez: «La expresión más verdadera de un pueblo está en su danza y en su música. Los cuerpos nunca mienten”. El video o el cine son la mejor manera de mostrar algo (movimiento, por ejemplo); las palabras se usan a menudo para ocultar cosas, las imágenes se usan para mostrar cosas. Me gusta contar algo con humor. Hay un concepto erróneo que equipara la solemnidad con la seriedad y el humor con la falta de seriedad. Algo que es solemne podría carecer totalmente de seriedad, y algo humorístico no necesariamente carece de seriedad. Cuando alguien realmente se está riendo, no necesitas saber por qué. Puedes sentir que alguien se está riendo de verdad y esto también te hace reír.” Thomas Bos.
Autor: Thomas Bos (1988) obtuvo su diploma en Diseño de Video Digital en 2013 en Hogeschool voor de Kunsten en Utrecht. Comenzó a practicar (break)dancing con iLL Skill Squad a sus 12 años. Durante su época de estudiante tomó un curso en multimedia con el artista Oliver Laric en Berlin. Antes, durante y después de sus estudios, Thomas ha realizado obras en video propias y para otros, incluyendo obras para 155 (onefivefive), DOX, MAAS, de Krachtcentrale y Stukafest. Thomas es actualmente bailarín y director artístico en dancecollective 155 (onefivefive) junto con su hermano Erik.
Nota del jurado: Es una obra que tiene riqueza en el modo de abordar la cámara, la edición y la narrativa experimental por medio de la danza, con movimientos muy suaves que en ocasiones simulan movimientos de juegos electrónicos. Tiene elementos de cine, video-arte y de videodanza en una combinación afortunada. Es además una obra con humor que invita al espectador a seguir viendo la obra y a disfrutarla, nos lleva a pensar en los clásicos motociclistas leather de otra manera.
Tercer lugar: Emotional Houdini (Allison Beda & Tara Cheyenne Friedenberg. Canadá.)
Sinopsis: Emotional Houdini es una cine danza experimental a manera de comedia que trata sobre el envejecimiento, la pérdida de la memoria y las dificultades para comunicarse con el padre. DIRECTOR / PRODUCTOR / EDITOR / CINEMATÓGRAFO – Allison Beda. PERFORMER / COREÓGRAFO / PRODUCTOR – Tara Cheyenne Friedenberg. MÚSICA / SONIDO – Marc Stewart. TRADUCCIÓN ESPAÑOL – Jamina Wendland.
http://www.a-muse-productions.com http://www.allisonbeda.com http://www.taracheyenne.com http://www.marcstewartmusic.com
Autoras: Las películas galardonadas de la escritora y directora Allison Beda se han proyectado internacionalmente en festivales, teatros, televisión, galerías de arte, carteles publicitarios, metro e incluso en los juegos olímpicos. La compañía A Muse Productions de Allison ha estado interesada por hacer películas sobre mujeres que crean problemas y arte cinematográfico que desafía la clasificación. Allison estudió cine en la Universidad Simon Fraser, tiene un MFA en Cine de la Universidad de British Columbia, perfeccionó su fuerte estilo visual trabajando como operador de cámara IATSE y aprendió cuándo puede (y cuando no puede) «arreglarlo en post» trabajando como Productor Asociado en programas como la serie SYFY / NBC «12 Monkeys».
Tara Cheyenne Friedenberg es bailarina, coreógrafa, artista, educadora y directora artística de Tara Cheyenne Performance. Vive en Vancouver, ha estado creando y realizando su marca única en el híbrido danza-teatro durante la última década y es conocida por su mezcla experta de comedia, fisicalidad dinámica y trabajo de personajes. Tara ha sido nominada para varios premios Jessie y Ovation por su coreografía teatral y ha sido galardonada en 2014 con el Premio de Danza Chrystal.
Nota del jurado: Esta es una obra en donde la cámara acompaña a la danza y al humor de manera dinámica, el ojo que ve acompaña el sentimiento y movimiento de la intérprete de manera experimental y artística, haciendo un diálogo cámara-contenido-danza. La danza surge del cuerpo como síntoma emocional, dando un resultado sencillo, fresco y preciso.
Mención honorífica: No more Beautiful Dances (Anabella Lenzu. Argentina.)
Sinopsis: “No more Beautiful Dances” trata con la exploración, la introspección y la reformulación de una mujer después de ser madre y ser inmigrante. Esta obra que involucra teatro y danza de Lenzu usa palabras y dibujos hablados para contar una visión personal de la feminidad y lo que significa ser una mujer en la actualidad.
Autor: Originaria de Argentina, Anabella Lenzu es bailarina, coreógrafa y profesora con más de 25 años de experiencia trabajando en Argentina, Chile, Italia y los Estados Unidos. Con una formación clásica en el conocido Teatro Colón de Buenos Aires. Lenzu estudió las técnicas de danza moderna de Humphrey / Limón y Graham en Nueva York. Su trabajo coreográfico ha sido seleccionado y contratado mundialmente para óperas, programas de televisión, producciones teatrales y muchas compañías de danza, como Anna Sokolow Theatre / Dance Ensemble. Lenzu ha escrito para varias revistas sobre danza y arte; publicó su primer libro en 2013, titulado Unveiling Motion and Emotion. El libro contiene escritos en español e inglés sobre la importancia de la danza, la coreografía y la pedagogía de la danza.
http://www.Anabellalenzu.com
Nota del jurado: Esta obra se cuestiona el cuerpo como estereotipo desde la cine danza, y desde la mirada de una bailarina que se torna “decadente” con el cambio biológico de su cuerpo. La cámara y edición acompañan el sentido general de la obra acentuando los momentos importantes y dando ritmos distintos de acuerdo a las emociones expresadas. Es sin duda una obra de introspección humana y femenina.
Mención honorífica: A la Manera de David (Pedro Costa Prohens. Chile.)
Sinopsis: David es un joven barrendero obsesionado por Iggy Pop, un día encuentra un documental sobre el David de Miguelangel y cambia sus obsesiones, desea convertirse en la famosa escultura, en el proceso se enajena completamente de si, pierde el control de su propia existencia y realidad.
Autor: Pedro Costa Prohens estudió Cine en la Escuela de Cine de Chile y el año 2017 cursó un máster en dirección cinematográfica en Barcelona donde realizó el cortometraje: A la Manera de David.
Nota del jurado: Esta obra es explícitamente experimental. Tiene que ver con el cuerpo y con movimiento corporal, aunque no desde la danza, sino desde una perspectiva humana y estética. El personaje pasa de tener una obsesión ordinaria por un cantante pop a procurar una obsesión por una figura mítica en la cultura clásica, y nos muestra cómo mentes frágiles e inseguras, sin fundamentos básicos pueden ser influenciados… Tiene humor y está muy bien resuelto cinematográficamente. Este filme refresca la idea de los límites que la cine danza y videodanza pueden abarcar.
Mención honorífica: Medium Rare (Luca Cioci. Italia.)
Sinopsis: Medium Rare analiza la interacción humana con los objetos y su presencia funcional y estética en escenarios domésticos recurrentes pero cuestionables. Se trata de una obra de animación.
Autor: Luca Cioci es un cineasta y artista visual italiano. Recientemente graduado con un BFA en Animación de CalArts. Actualmente reside en Los Ángeles trabajando como freelance multidisciplinario. https://vimeo.com/lucacioci
Nota del jurado: Medium Rare es un filme afectivo, contundente, atractivo. Su sincronización ha sido construida pacientemente. Tiene momentos surrealistas como una pecera que flota en la madera como si se tratara de agua. Esta obra de animación habla del cuerpo en su habitar cotidiano, aunque el cuerpo está ausente, sólo se adivina porque todos los objetos se mueven como si un cuerpo los manipulara. La ausencia del cuerpo nos habla del cuerpo necesariamente y se adivina una crisis humana a través de la influencia en los objetos que normalmente utiliza. Medium Rare refresca la idea de los límites que la cine danza y videodanza pueden abarcar.
Jurados: Anna Macdonald, Alessandra Pisu, y un voto de Movimiento en Movimiento.
BREVE INFORMACIÓN SOBRE LOS JURADOS:
Anna Macdonald
Anna es una artista de la imagen en movimiento y es académica en el Reino Unido. Se especializa en trabajar directamente con el público, encontrando formas de intensificar y articular las experiencias de las personas de manera que puedan ser comprendidas por otros.
El trabajo de Anna se ha exhibido en galerías y festivales como Festival Ciné-Corps, París; Athens Video Dance Project; Agite y Sirva, México; Hogar, Manchester; Art Currents, Nueva York; Somerset House, Londres; Lightmoves, Irlanda; Dascamdans, Bélgica; Miden Festival, Grecia; VideodanzaBA, Argentina. Fue nominada para los premios International Video Dance en Barcelona y su trabajo fue seleccionado como un proyecto emblemático para la investigación en arte socialmente comprometido, por AHRC. www.annamacdonaldart.co.uk
Alessandra Pisu.
Estudió literatura en la Universidad de Cagliari.
Desde principios de la década de 2000 trabaja en la organización del Festival Internacional Nuova Danza, trabajando también en sus eventos colaterales.
En los mismos años comenzó a colaborar con la compañía de danza contemporánea ASMED, como organizadora de eventos y promotora.
Es miembro y co-fundador de MayaInc, que actualmente dirige el festival Nuova Danza (FIND).
Desde 2005 hasta 2008 trabajó con MayaInc en I-Contest, un festival de cortometrajes y videoarte. También colaboró en las primeras ediciones del Festival de Cine Maya (2010-11).
Trabaja como organizadora e intérprete en cursos intensivos de actuación organizados por MayaInc en Cagliari.
Desde 2016 es la comisaria de Breaking 8, festival internacional de videodanza, que surgió en 2013 como proyecto colateral del festival FIND.
Andrea Keiz
Andrea tuvo educación como bióloga y como profesora de improvisación de danza.
Desde el año 2000 trabaja como artista independiente en el campo de la documentación en video de las artes escénicas. Además de filmar y editar, es asesora de estudiantes de documentación, trabajo de cámara y archivo en varios programas de danza en Alemania. Imparte y asesora talleres de video-danza y percepción. www.andrekeiz.de
EL EQUIPO MOVIMIENTO EN MOVIMIENTO.
Lucitzel Pedrozo
Maestra en Artes Visuales por la UNAM. Videoasta, productora, investigadora, iconógrafa y editora. Como realizadora desarrolló más de 50 producciones entre series, cápsulas y documentales en Tv Unam (2007- 2013). Como videoasta en los últimos años ha indagado en la experimentación de las posibilidades de la danza Butoh en la videodanza y su aplicación en diferentes disciplinas como la animación y la videoinstalación. También ha desarrollado proyectos editoriales como la publicación Abul Abbas y como columnista de la sección de arte en la revista Más Claro. Como investigadora fue invitada al Festival VideodanzaBA en Buenos Aires como tallerista de Douglas Rosenberg en 2013; en 2015 realizó una estancia de investigación sobre videoinstalación en la UPV; y en 2017 fue ponente en el VII Coloquio Universitario de Análisis Cinematográfico “El cine en el campo expandido” realizado en el MUAC.
Nayeli Benhumea
“Investigo y escribo sobre videodanza, feminismo y cuerpo, dibujo y bailo. Me interesa la búsqueda de mí misma a través del vínculo cámara-cuerpo y sus diversas formas de relacionarse; es a través de esta exploración que intento observarme, descubrirme, reconocerme y encontrarme en mi propia experiencia. Actualmente llevo esa exploración a diversas manifestaciones como la escritura, el dibujo y el performance como campos de acción política, para cuestionar las nociones de lo femenino, el amor, el deseo, lo erótico y las violencias en el cuerpo de las mujeres. Cursé la Maestría en Artes Visuales en la UNAM, actualmente escribo mi tesis sobre el pensamiento de habitar la videodanza; Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica por la UAM-A; realicé la Especialidad en Creación Dancística en el CICO, INBA. Escribí junto con Hayde Lachino el libro Videodanza. De la escena a la pantalla. Mi trabajo se ha mostrado en festivales internacionales. Soy profesora de Videoarte e Investigación de Proyectos Artísticos en la Facultad de Artes, UAEMEX; trabajo como diseñadora editorial independiente, colaboro para el Departamento de Evaluación en el Tiempo, CyAD, UAM-A, Átimo y con artistas independientes.”
https://nayelibenhumea.wordpress.com/
Yolanda M. Guadarrama
Yolanda es directora de Movimiento en Movimiento, tiene ya varios años de experiencia en el campo de la danza para la pantalla, realizó su primera obra en 1994. Ha sido jurado de Screendance en el festival LIFF, en Inglaterra. Ahora está dedicada completamente a la creación y difusión de este género artístico, escribiendo textos, impartiendo cursos, haciendo sus propias creaciones e impulsando el festival que dirige. Lleva 4 años haciendo la curaduría del festival RIFF (R.E.D. International Film Festival) en Noruega. Ha sido también editora y fundadora de Revista y Editorial MOHO, junto con Guillermo Fadanelli. Entre sus creaciones de danza para la pantalla cuenta con 11 piezas, varias de ellas han sido exhibidos en festivales internacionales. Sus dos piezas premiadas son: Animal enfermizo, Mención Honorífica en Agite y Sirva, México 2015; Comedores de Patatas, Mejor película experimental, Eurasia International Festival, Moscú, junio 2018. https://www.yolandamguadarrama.com/
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